Pictorialism, eine Herangehensweise an die Fotografie, die eher die Schönheit des Themas, der Tonalität und der Komposition als die Dokumentation der Realität betont.
Geschichte der Fotografie: Pictorialismus und der verknüpfte Ring
Die Ideen von Newton, Rejlander, Robinson und Emerson verfolgten - obwohl sie scheinbar unterschiedlich waren - alle das gleiche Ziel: Akzeptanz für die Fotografie zu erlangen
Die bildhauerische Perspektive wurde Ende der 1860er Jahre geboren und prägte das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Es näherte sich der Kamera als Werkzeug, mit dem wie Pinsel und Meißel ein künstlerisches Statement abgegeben werden konnte. So könnten Fotografien einen ästhetischen Wert haben und mit der Welt des Kunstausdrucks verbunden werden.
Der Name selbst leitet sich aus dem Gedanken von Henry Peach Robinson ab, dem britischen Autor von Pictorial Effect in Photography (1869). In seinem Wunsch, die Fotografie als Kunst von den wissenschaftlichen Zwecken zu trennen, auf die sie angewendet worden war, schlug Robinson geeignete Themen und Kompositionsmittel vor, einschließlich des Zusammenfügens von Abschnitten verschiedener Fotografien zu einem „zusammengesetzten“ Bild. In den 1880er Jahren suchte der britische Fotograf Peter Henry Emerson auch nach Wegen, um den persönlichen Ausdruck in Kamerabildern zu fördern. Während Emerson und seine Anhänger zusammengesetzte Fotografien kritisierten, versuchten sie anhand von Modellen von Künstlern wie JMW Turner, den Malern der Barbizon-Schule und den impressionistischen Malern, atmosphärische Effekte in der Natur durch Aufmerksamkeit für Fokus und Tonalität wiederherzustellen.
Emersons Buch Naturalistic Photography (1889) war in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts immens einflussreich. Amerikanische und europäische Fotografen, die ihren Vorschriften folgten, organisierten Vereinigungen und veranstalteten Ausstellungen, um zu zeigen, dass das Medium in der Lage war, Werke von großer Schönheit und Ausdruckskraft zu produzieren. Vor 1900 förderten der Linked Ring in Großbritannien, der Photo Club von Paris, das Kleeblatt in Deutschland und Österreich und nach der Jahrhundertwende die Photo-Secession in den USA die Fotografie als bildende Kunst. Zu diesem Zweck duldeten einige Fotografen die Handarbeit auf dem Negativ und setzten spezielle Druckmethoden ein, bei denen unter anderem Gummibichromat und Gummibomil verwendet wurden. Zusätzlich zu diesen Verfahren, die sicherstellten, dass jeder Druck von demselben Negativ unterschieden wurde, bevorzugten die Fotografen von Pictorialist auch die Aufnahme von Monogrammen und die Präsentation von Arbeiten in geschmackvollen Rahmen und Matten. Frederick H. Evans, Robert Demachy und Heinrich Kühn gehörten zu den bemerkenswerten Europäern, die an der Bewegung teilnahmen.
Zu den Bildhauern in den Vereinigten Staaten gehörten Alvin Langdon Coburn, F. Holland Day, Gertrude Käsebier, Edward Steichen, Alfred Stieglitz und Clarence H. White. In den späten Werken von Stieglitz und Paul Strand und Edward Weston beschäftigte sich der amerikanische Pictorialismus weniger mit atmosphärischen Effekten und schönen Themen, aber einige Jahre nach dem Ersten Weltkrieg wurden die älteren Ideale der bildlichen Schönheit von der genannten Gruppe beibehalten Bildfotografen von Amerika. In den späten 1920er Jahren, als sich die Ästhetik der Moderne durchsetzte, beschrieb der Begriff Pictorialismus eine müde Konvention.
