Porträts
Gezeichnete Porträts aus dem 15. Jahrhundert - zum Beispiel von Pisanello oder Jan van Eyck - können in ihrer Konzentration, Ausführung und Verteilung des Raums als fertige Bildwerke angesehen werden. Die klare, fein umrissene Darstellung folgt jedem Detail der Oberfläche und strebt nach Realismus. Das detailreiche Profil wird bevorzugt; Es ähnelt einer Erleichterung und ähnelt dem Medaillon. Neben dem reinen Profil trat das Dreiviertelprofil mit seiner räumlicheren Wirkung in den Vordergrund, um über Jahrhunderte die klassische Porträthaltung zu bewahren.
Die enge Beziehung zur Malerei gilt für praktisch alle Porträtzeichnungen des 15. Jahrhunderts. Ein so kraftvolles Werk wie Dürers Zeichnung des Kaisers Maximilian entstand als Porträtstudie für ein Gemälde. Gleichzeitig verkörpern jedoch einige von Dürers Porträtzeichnungen eindeutig die Endphase eines künstlerischen Unternehmens, eine Ambivalenz, die auch bei anderen Porträtisten des 16. Jahrhunderts zu beobachten ist. Die Werke von Jean und François Clouet in Frankreich und des jüngeren Hans Holbein in der Schweiz und noch deutlicher in England im selben Jahrhundert verliehen dem Porträtzeichnen eine Autonomie, insbesondere wenn eine Zeichnung mit Kreide in verschiedenen Farben fertiggestellt wurde. Die Wahl des weicheren Mediums, die Konturierung, die bei aller Genauigkeit weniger eigenständig ist, und die feinere Innenzeichnung mit ebenen Elementen verleihen diesen Zeichnungen einen lebendigeren, persönlicheren Charakter und betonen erneut ihre Nähe zur Malerei.
In polychromatischer Kreidetechnik und Pastell bewahrte die Porträtzeichnung ihre Unabhängigkeit bis ins 19. Jahrhundert. Im 18. Jahrhundert gehörten Quentin de la Tour, François Boucher und Jean-Baptiste Chardin - all diese Künstler aus Frankreich - zu den Hauptpraktikern, und selbst Ingres, der im 19. Jahrhundert lebte, verwendete seine Technik noch immer. In der Pastellmalerei überwog das Porträt alle anderen Motive.
Bei der Wahl von Pose, Typ und Ausführung wird die Porträtmalerei wie andere Kunstformen von den allgemeinen Stilmerkmalen einer Epoche beeinflusst. So folgte der extremen Bildhaltung des Spätbarocks und des Rokoko während des Neoklassizismus eine strengere Konzeption, die monochrome Techniken bevorzugte und auch die spezielle Form der Silhouette kultivierte, eine Profilkonturzeichnung mit schwarz ausgefülltem Bereich. Unverkennbar ihren Vorgängern aus dem 15. Jahrhundert verpflichtet, zielten die Schöpfer von Porträtzeichnungen des frühen 19. Jahrhunderts erneut auf die exakte Wiedergabe von Details und plastischen Effekten ab, die durch die sorgfältig ausgewählten grafischen Medien erzielt wurden: Der dünne, harte Bleistift war ihr Lieblingsinstrument. und auch der Silberpunkt wurde von den Romantikern wiederentdeckt.
Die Zeichner des späten 19. und 20. Jahrhunderts interessierten sich mehr für die psychologischen Aspekte der Porträtmalerei und bevorzugten die weicheren Buntstifte, die jedem künstlerischen Impuls folgen. Das Ergreifen charakteristischer Elemente und eine adäquate Flugzeugwiedergabe belasteten sie stärker als realistische Details. Stimmungselemente, intellektuelle Spannung und persönliches Engagement sind typische Merkmale des modernen Porträts und damit auch des modernen Porträtzeichnens, eine Kunst, die die persönliche Handwerkskunst des Künstlers über die Merkmale verschiedener Techniken hinaus dokumentiert.
Landschaften
Bereits im 15. Jahrhundert erlangten auch Landschaftszeichnungen eine ausreichende Autonomie, so dass es schwierig ist, zwischen der fertigen Studie für den Hintergrund eines bestimmten Gemäldes und einer eigenständigen, in sich geschlossenen skizzierten Landschaft zu unterscheiden. Bereits in Jacopo Bellinis Skizzenbüchern aus dem 15. Jahrhundert (aufbewahrt in Alben im British Museum und im Louvre) besteht eine enge Verbindung zwischen Naturkunde und Bildstruktur. In Tizians Atelier im 16. Jahrhundert müssen Landschaftsskizzen als Vorschläge für bildliche Hintergründe gezeigt worden sein.
Aber es war Dürer, der die Landschaft als ein erinnertes Bild und ein autonomes Kunstwerk entwickelte, kurz gesagt, als ein eigenes Thema ohne Bezug zu anderen Werken. Vor allem seine Aquarelle, aber auch die Zeichnungen seiner beiden Italienreisen, der Umgebung von Nürnberg und der Reise in die Niederlande, sind die frühesten reinen Landschaftszeichnungen. Jahrhunderte mussten vergehen, bevor solche Zeichnungen in dieser absoluten Formulierung wieder vorkamen.
Landschaftselemente waren auch in deutschen und niederländischen Zeichnungen und Illustrationen des 16. Jahrhunderts von großer Bedeutung. Die in den meisten Fällen noch vorhandene figurative Darstellung ist formal recht gut in die romantische Wald- und Wiesenlandschaft integriert, insbesondere in die Werke der Donauschule - zum Beispiel Albrecht Altdorfer und Wolf Huber. Häufiger als in anderen Schulen findet man hier sorgfältig ausgeführte Naturansichten. In den Niederlanden zeichnete Pieter Bruegel sowohl topografische Ansichten als auch freie Landschaftskompositionen, in beiden Fällen als autonome Werke.
Im 17. Jahrhundert erreichten das Naturstudium und die daraus entstandene Landschaftszeichnung einen neuen Höhepunkt. Die Landschaftszeichnungen der Accademia degli Incamminati (zum Beispiel von Domenichino) kombinierten klassische und mythologische Themen mit heroischen Landschaften. Der in Rom lebende Franzose Claude Lorrain arbeitete häufig unter freiem Himmel und schuf Landschaftszeichnungen mit einer bisher unerreichten atmosphärischen Qualität. Diese Art von kultivierter und idealisierter Landschaft, die auch von Poussin und anderen in Rom lebenden Nordländern dargestellt wurde (sie wurden niederländische Romanisten genannt, da so viele niederländische Künstler in Rom lebten und ihre Zeichnungen von Italien eine fast ätherische Qualität erreichten). steht im Gegensatz zu dem unheldenhaften, naturnahen Landschaftskonzept, das vor allem die Niederländer bei der Darstellung der Landschaft ihres Heimatlandes vertreten. Alle Landschaftsmaler - ihre Landschaftsbilder sind eine Spezialität, die in den künstlerisch spezialisierten Niederlanden stark vertreten war - schufen auch eigenständige Landschaftszeichnungen (z. B. Jan van Goyen und Jacob van Ruisdael sowie sein Onkel und Cousin), wobei Rembrandt erneut eine Sonderstellung einnahm: Er zeichnete die Merkmale einer Region oft mit nur wenigen Strichen auf und verbesserte sie so, dass sie selbst im kleinsten Format monumentale Ausdruckskraft erlangen. Im Italien des 18. Jahrhunderts gewann die topografisch getreue Landschaftszeichnung mit dem Aufkommen der Vedutisten, der Anbieter von „Ansichten“, an Bedeutung. Sie bildeten eine Gruppe für sich (darunter Giambattista Piranesi und Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) und arbeiteten häufig mit optischen Hilfsmitteln wie dem Rasterrahmen und der Camera Obscura. Landschaftszeichnungen mit größerer künstlerischer Freiheit sowie imaginäre Landschaften wurden am erfolgreichsten von einigen französischen Künstlern angefertigt, darunter Hubert Robert; Bildlich und atmosphärisch erreichten diese Themen eine zweite Blüte in den Pinsellandschaften englischer Künstler wie Turner und Alexander Cozens, deren Einfluss bis weit ins 20. Jahrhundert reicht.
Aufgrund ihres starken Interesses an der Abgrenzung beobachteten die Zeichner des Neoklassizismus und vor allem der Romantik des 18. Jahrhunderts die Natur mit topografischer Genauigkeit. Als neue „Entdeckung“ nahm die romantisch und heroisch übertriebene Alpenwelt nun neben der arkadischen Sicht auf die italienische Landschaft ihren Platz im Kopf des Künstlers ein.
Landschaftszeichnungen und noch mehr Aquarelle bildeten im 19. Jahrhundert ein unerschöpfliches Thema. Der französische Künstler Jean-Baptiste-Camille Corot und gegen Ende des Jahrhunderts Cézanne und van Gogh gehörten zu den Hauptschöpfern von Landschaftszeichnungen. Landschaften waren Teil der Arbeit vieler Zeichner des 20. Jahrhunderts, aber für einen Großteil des Jahrhunderts stand das Genre als solches nach allgemeinen Formproblemen an zweiter Stelle, bei denen das Thema lediglich als Ausgangspunkt behandelt wurde. In den letzten 30 Jahren des 20. Jahrhunderts kehrte jedoch eine große Anzahl amerikanischer Künstler zur Repräsentation zurück und investierte so wieder in die Landschaft als Thema.
Figurenkompositionen und Stillleben
Im Vergleich zu den Hauptthemen des autonomen Zeichnens - Porträt und Landschaft - sind alle anderen von geringerer Bedeutung. Figurenkompositionen hängen stark von der Malerei ihrer Zeit ab und sind oft direkt damit verbunden. Es gab freilich Künstler, die sich in ihren Zeichnungen mit den Themen der monumentalen Malerei befassten, wie den Kupferstecher und Radierer Raymond de La Fage aus dem 17. Jahrhundert; Im Allgemeinen ist das künstlerische Ziel der Figurenkomposition jedoch das Bild, wobei die Zeichnung nur eine nützliche Hilfe und eine Zwischenstation darstellt. Genreszenen, die besonders in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts (wie zum Beispiel Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade und Jan Steen) und im Frankreich und England des 18. Jahrhunderts populär waren, erlangten eine unabhängige Stellung. Auch im 19. Jahrhundert gab es Zeichnungen, die Geschichten des Alltags erzählten; Oft illustrativ, können sie nicht nur wegen des häufig mehrfarbigen Formats, sondern auch in ihrer künstlerischen Ausführung als „kleine Bilder“ bezeichnet werden.
Stillleben können auch als autonome Zeichnungen gelten, insbesondere die seit dem 17. Jahrhundert beliebten Darstellungen von Blumen wie dem niederländischen Künstler Jan van Huysum. Auch hier ist es richtig, dass eine gut gestaltete Anordnung eine unmittelbare Naturstudie in eine bildliche Komposition verwandelt. In einigen dieser Kompositionen ist die Ähnlichkeit mit der Malerei sehr stark; So überschreiten beispielsweise die Pastelle des Künstlers Odilon Redon aus dem 19. und 20. Jahrhundert oder das Werk des deutschen Expressionisten Emil Nolde aus dem 20. Jahrhundert mit seiner chromatischen Intensität die Trennlinie zwischen Zeichnung und Malerei. In Stillleben wie in Landschaften sind autonome Formprinzipien für moderne Künstler wichtiger als die Tatsachenaussage.
Fantasievolle und nicht repräsentative Zeichnungen
Zeichnungen mit imaginären und phantasievollen Themen sind unabhängiger von der äußeren Realität. Traumerscheinungen, Metamorphosen und die Verflechtung verschiedener Ebenen und Regionen der Realität waren traditionelle Themen. Die phantasmagorischen Werke von Hieronymus Bosch aus dem späten 15. Jahrhundert sind ein frühes Beispiel. Es gibt allegorische Bauernszenen des flämischen Künstlers Pieter Bruegel aus dem 16. Jahrhundert und die Karnevalsradierungen des französischen Künstlers Jacques Callot aus dem 17. Jahrhundert. Andere, deren Arbeiten veranschaulichen, was mit Zeichnen außerhalb von Landschaft und Porträt gemacht werden kann, sind: der italienische Kupferstecher Giambattista Piranesi aus dem 18. Jahrhundert, der anglo-schweizerische Künstler Henry Fuseli aus dem 18. Jahrhundert, der englische Illustrator Walter Crane aus dem 19. Jahrhundert, der Franzose aus dem 19. Jahrhundert Der symbolistische Künstler Gustave Moreau und die Surrealisten des 20. Jahrhunderts.
Die nichtrepräsentative Kunst mit ihrer Reduktion der Grundelemente des Zeichnens - Punkt, Linie, Ebene - auf reine Form bot neue Herausforderungen. Durch den Verzicht auf assoziative körperliche und räumliche Beziehungen gewinnen die Entfaltung der Zeichnungsdimensionen und die Struktur der verschiedenen Medien eine neue Bedeutung. Die grafischen Qualitäten der Linie in der Ebene sowie der nicht markierte Bereich wurden bereits in früheren Zeiten hervorgehoben - zum Beispiel in den Grotteni von Giuseppe Arcimboldo im 16. Jahrhundert (die phantasievollen oder fantastischen Darstellungen menschlicher und tierischer Formen oft kombiniert mit einander und verwoben mit Darstellungen von Laub, Blumen, Früchten oder dergleichen) und in kalligraphischen Übungen wie Moresken (stark stilisierte lineare Verzierung, basierend auf Blättern und Blüten) - meist jedoch als Druck- oder Gravurmodelle für die unterschiedlichsten dekorativen Aufgaben (Innendekoration, Möbel, Utensilien, Schmuck, Waffen und dergleichen).
