Choreografie, die Kunst, Tänze zu kreieren und zu arrangieren. Das Wort stammt aus dem Griechischen für "Tanz" und "Schreiben". Im 17. und 18. Jahrhundert bedeutete dies in der Tat die schriftliche Aufzeichnung von Tänzen. Im 19. und 20. Jahrhundert verschob sich die Bedeutung jedoch ungenau, aber universell, während die schriftliche Aufzeichnung als Tanznotation bekannt wurde.
Tanz: Choreografie
Choreografie ist die Kunst, Tänze zu machen, Bewegung in Ordnung und Muster zu sammeln und zu organisieren. Neueste
Es folgt eine kurze Behandlung der Choreografie. Für eine vollständige Behandlung siehe Tanz: Choreografie; Tanz, Western.
Die Komposition des Tanzes ist genauso kreativ wie die Komposition der Musik. Die Notation des Tanzes ist jedoch eine Analyse- und Berichterstattungsarbeit, die im Allgemeinen von anderen Personen als dem Choreografen in einer Sprache oder in Zeichen ausgeführt wird, die vom Schöpfer möglicherweise nicht verstanden werden.
Während der Renaissance unterrichteten Tanzmeister in Italien wie Domenico da Piacenza soziale Tänze am Hof und begannen wahrscheinlich, neue zu erfinden oder Varianten bekannter Tänze zu arrangieren, um so eine kreative Funktion mit ihren pädagogischen zu kombinieren. Inszeniertes Ballett verwendete die gleichen Schritte und Bewegungen wie der Gesellschaftstanz und unterschied sich hauptsächlich in der Bodenanordnung und der visuellen Projektion davon.
Im 16. Jahrhundert organisierten die Tanzmeister am französischen Hof die Bodenmuster sowie die theatralischen und künstlerischen Kontexte ihrer sozialen Tänze so, dass eine choreografische Form, das Ballet de Cour, initiiert wurde. In den folgenden zwei Jahrhunderten vergrößerte sich die Kluft zwischen Gesellschaftstanz und Theatertanz, bis das Ballett im 19. Jahrhundert ein grundsätzlich eigenständiges Vokabular erreichte.
Der Ballettmeister dieser Zeit, der Choreograf, war ein Arrangeur des Tanzes als Theaterkunst. Der Riese der choreografischen Kunst des späten 18. Jahrhunderts war Jean-Georges Noverre, dessen Werk und Schriften das dramatische Ballett oder die Ballettaktion zum Feiern brachten. Das Ballett enthielt sowohl Pantomime als auch akademische Tänze und brachte den Tanz durch narrativen und histrionischen Kontext zum Ausdruck. Nach Noverre und seinem Zeitgenossen Gasparo Angiolini entwickelten andere diesen Trend auf verschiedene Weise - insbesondere Jean Dauberval in der realistischen Darstellung zeitgenössischer Landsleute, Charles Didelot in Richtung romantischer Bühnenillusion und Fantasie und Salvatore Viganò in der dramatischen Verwendung des Ensembles (choreodramma) und Natürlichkeit der tragischen Geste.
Die Choreografen der romantischen Bewegung verwendeten Ballett, wie es von Meistern wie Carlo Blasis kodifiziert wurde, hauptsächlich in den Theaterformen des Ballettes zu Noverres Zeiten oder in Opern-Divertissements (balletische Zwischenspiele). Die Ballerina, deren Rolle durch das neu erfundene Spitzenwerk (Gleichgewichtsposition an der äußersten Zehenspitze) verstärkt wurde, und das weibliche Corps de Ballet erlangten beide eine neue Bedeutung. Die Choreografen, die die Kunst der Theatertanzerzählung am besten entwickelten, waren August Bournonville in Kopenhagen; Jules Perrot, insbesondere in London und St. Petersburg; und Marius Petipa, der in St. Petersburg das spektakuläre klassische Ballett in Werken wie The Sleeping Beauty auf den Höhepunkt brachte, in denen erweiterte und komplexe Suiten des klassischen Tanzes poetischen und metaphorischen Ausdruck in die Handlung brachten.
Der frühneuzeitliche Tanz in den Vereinigten Staaten führte neue Elemente der Bewegung und des Ausdrucks ein. und im Ballett betonte das Werk von Michel Fokine naturalistischere Stile und ein stärkeres Theaterbild als Petipas Ballettklassizismus. Seitdem haben sich choreografische Formen zwischen den Polen Repräsentation und Abstraktion verändert.
Die Tanznotation im 20. Jahrhundert befasste sich sowohl mit der Grundbewegung als auch mit dem formalen Tanz und wurde durch die Erfindung neuer Systeme abstrakter Symbole unterstützt - die von Rudolf von Laban und Rudolf Benesh waren die einflussreichsten. Die Labanotation war die erste, die die Dauer, die Flüssigkeit oder die Intensität der Bewegung anzeigte. Heute entwickeln sich diese und andere Systeme rasant weiter, verstärkt durch Film und Videoband.
Die Choreografie entwickelte sich nicht weniger schnell. Die Kompositionsmethoden variieren radikal - einige Choreografen verwenden die Improvisationen ihrer Tänzer als Rohmaterial, andere entwickeln jede Bewegung vor der Probe. Merce Cunningham veränderte den Kontext für Choreografie radikal in seiner Einstellung zu Musik und Dekor als zufällig (statt kollaborativ oder unterstützend) zum Tanz, in seiner Anwendung von Zufallsmethoden in der Tanzkomposition und -organisation und in seiner Nutzung des nicht-theatralischen Aufführungsraums. Er, George Balanchine und Sir Frederick Ashton wurden die führenden Vertreter des klassischen oder abstrakten Tanzes; Aber die beiden letzteren - wie Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins und andere - produzierten auch bedeutende gegenständliche Werke der Choreografie. Die einzigen absoluten Regeln in der heutigen Choreografie sind, dass sie dem Tanz Ordnung über die Ebene der reinen Improvisation hinaus auferlegen und den Tanz in den drei Dimensionen des Raums und der vierten Dimension der Zeit sowie nach dem Potenzial des Menschen formen sollten Körper.
