Ballett und Publikum
Die Finanzierung und Subventionierung von Ballettproduktionen mit öffentlichen und privaten Mitteln wird immer komplizierter. Die Sicht der Öffentlichkeit auf das Ballett hat einen großen Einfluss auf die Sicherung oder Gefährdung seiner finanziellen Grundlage. Ballett, das oft als „elitär“ und belanglos bezeichnet wird, wird leicht von den Finanzierungslisten gestrichen und von denjenigen, die den Wert der darstellenden Künste leugnen, zu einem kulturellen Sündenbock.
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Ballett: Fakt oder Fiktion?
Eine Pirouette ist eine Art Ballettwechsel.
Die Ticketpreise für professionelle Ballettaufführungen können hoch sein, und Kritiker verwenden diese Tatsache als Beweis dafür, dass die Kunst denjenigen dient, die Geld haben. Gute Leistungen erfordern jedoch eine Gesellschaft von umfassend ausgebildeten Tänzern und einen großen Unterstützungsapparat. Paradoxerweise ist Ballettunterricht eine der Möglichkeiten, wie bürgerliche Mädchen in vielen Teilen der industrialisierten Welt angemessenes Klassenverhalten und kulturelle Ambitionen lernen. Sie nehmen an Amateuraufführungen teil, tanzen zu Musikaufnahmen und oft in hausgemachten Kostümen. Von den Kindern, fast alle Mädchen, wird erwartet, dass sie Manieren, Eleganz, die richtige Beförderung des Körpers und angemessene Geschlechterrollen lernen. Mit sehr wenigen Ausnahmen wird nicht erwartet, dass sie professionelle Tänzer werden. Balletttanzen ist eine der kürzesten, am wenigsten zuverlässigen, anspruchsvollsten und unfallanfälligsten Karrieren. Der Ballettunterricht für das bürgerliche Mädchen erfüllt somit Träume nicht von Ruhm und Reichtum, sondern von Stabilität und Sicherheit, die überall zu finden sind, außer im Ballett selbst.
Balletttanzen als bürgerliche Aktivität in den USA und Kanada hat eine unverwechselbare Tradition gepflegt: Tschaikowskys Der Nussknacker (1892) hat sich in vielen kleinen Städten und Gemeinden zu einer beliebten jährlichen Veranstaltung entwickelt. Die Inszenierung des Balletts wird von örtlichen Tanzschulen initiiert, geht aber weit über das Tanzen und die Weihnachtsfeier hinaus; Die Arbeit an der Produktion beginnt im Spätsommer und kann die Beiträge verschiedener Teile der Gemeinschaft einbeziehen. Das Ballett wurde angepasst, um die Geographie und spezifische Traditionen widerzuspiegeln, und es war flexibel genug, um überraschend unterschiedliche kulturelle Belastungen aufzunehmen. Unter dem Deckmantel der ursprünglichen Nussknacker-Erzählung gab es Jazz-Interpretationen, hinduistische Adaptionen, Geschichten über das politische Exil, Memoiren aus dem Kalten Krieg und Eislauf-Performances.
Die Vertrautheit der Mittelklasse trägt mit einigen Einschränkungen dazu bei, das Publikum für professionelles Ballett zu halten. Die traditionellen Ballette des 19. Jahrhunderts ziehen ein großes Publikum an, während neue Werke und zeitgenössische Tanzaufführungen selten ein breites Publikum anziehen. Allmählich haben sich die Werke von Choreografen wie Balanchine und Robbins in das akzeptierte Repertoire integriert, wie die Programme des Royal Ballet, des Mariinsky Ballet, des Paris Opéra Ballet, des Australian Ballet und anderer zeigen. Dennoch müssen Großstadtunternehmen auf der ganzen Welt das Neue sorgfältig mit dem Alten, das Unbekannte und das Riskante mit dem Abgenutzten und Etablierten in Einklang bringen.
Zwei Strategien haben sich entwickelt, als Unternehmen versuchen, ihre Verpflichtungen gegenüber einer lebendigen Kunst mit ihrem Bedürfnis nach Publikum in Einklang zu bringen. In einem Modell präsentieren Unternehmen Rechnungen mit zwei oder drei Werken, wobei normalerweise ein neues Stück zwischen bewährten Werken angebracht wird. Diese Rechnungen haben eine begrenzte Saison, normalerweise einige Wochen bis ein oder zwei Monate. In einem anderen Ansatz präsentieren Unternehmen neue Choreografien der traditionellen publikumswirksamen Werke wie Giselle, The Nutcracker, The Sleeping Beauty und Swan Lake.
Die Modelle arbeiten somit in mehreren Zeitrahmen. Das Kurzzeitmodell führt neue Werke ein, die sich in Zukunft als langfristig wertvoll erweisen könnten, und das Langzeitmodell setzt sich in den Traditionen des 19. Jahrhunderts fort. Choreografen mussten diese Dynamik akzeptieren. Zum Beispiel wurde der russische Choreograf Alexei Ratmansky vom New Yorker Ballett beauftragt, ein Werk namens Russian Season (2006) zu schaffen. Zur gleichen Zeit arbeitete er mit dem Bolschoi-Ballett an einer Adaption von Schostakowitschs The Bright Stream; Anschließend wandte er sich einer Neuerfindung des sowjetischen Balletts The Flames of Paris (ursprünglich 1932) zu, einer Feier der Französischen Revolution von 1789.
Die Artisten
Alle Ballettinstitutionen, ob öffentlich oder privat finanziert, steigen und fallen mit dem Talent des Choreografen und des Tänzers. Diese Künstler stehen im Auge der Öffentlichkeit: Sie sind Ballett, die treibenden Kräfte der Kunstform. Ihre Vorstellungskraft, Originalität, Kreativität, Präsenz und Fähigkeit, aktuelle Sensibilitäten in Bewegung umzusetzen, bestimmen die Entwicklung des Balletts. Durch den Choreografen und den Tänzer wird die Balletttechnik ständig erweitert und getestet; zusammen machen sie ein Ballett zu einem zeitgenössischen Kunstwerk.
