Theaterkunst

Der Ort des Theaters im zeitgenössischen Leben

Arbeit, Freizeit und Theater

Im Allgemeinen haben die Menschen die Aktivitäten, die zum Überleben und zur Vermehrung der Art beitragen, als ernst angesehen. Auf allen Ebenen der Raffinesse bieten ernsthafte menschliche Aktivitäten jedoch Möglichkeiten zur Unterhaltung. Vielleicht haben Angehörige der menschlichen Spezies nie klar zwischen Arbeit und Freizeit unterschieden. Alle Arten von Arbeit können unter den richtigen Umständen ausgeführt werden, sei es Chirurgie, Zimmerei, Hausarbeit oder Feldarbeit. Die besten Arbeiter beschäftigen sich mit Arbeiten, die einen Ausdruck ihrer Erfindung und ihres Einfallsreichtums ermöglichen oder sogar fordern. In der Tat sind die wertvollsten Mitarbeiter oft nicht die anstrengendsten, sondern die genialsten und einfallsreichsten, und mit zunehmender Komplexität und Verantwortung ihrer Aufgaben steigt der Bedarf an Intelligenz und Vorstellungskraft. Diese Eigenschaften kommen auch im Spiel solcher Menschen zum Ausdruck.

In Zeiten und Orten, in denen das Theater leichtfertig oder vulgär oder nur langweilig geworden ist, haben sich die besser ausgebildeten Theaterbesucher eher davon ferngehalten. Dies war in London in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts der Fall. Eine ähnliche Bewegung der Intelligenz vom Theater weg ereignete sich Mitte des 20. Jahrhunderts in New York City, als immer weniger ernsthafte dramatische Produktionen unternommen wurden. Während sich der Broadway hauptsächlich Musicals oder Starfahrzeugen widmete, entwickelte sich das Interesse an ernsthaftem Theater in den kleineren und spezialisierteren Off-Broadway- und Off-Off-Broadway-Theatern sowie in regionalen Theatern.

Von den vielen Theorien und Philosophien, die von der Poetik des Aristoteles an über die Zwecke der Theaterkunst aufgestellt wurden, setzen die meisten voraus, dass sich das Theater an eine Elite richtet, die aus wohlhabenderen, gemächlicheren und besser ausgebildeten Mitgliedern einer Gemeinschaft besteht. In diesen Theorien wird angenommen, dass das Volkstheater lautstark fröhlich und ungeheuer sentimental ist, mit einfachen Melodien, offensichtlichen Witzen und viel Knockabout-Geschäft. Im 20. Jahrhundert verschwammen jedoch die Unterschiede zwischen den sozialen Schichten im Westen. Egalitäre Manieren wurden modisch, ja obligatorisch, und die Theorien, die der ernsthaften Kunst eine Rolle ausschließlich für die Oberschicht gaben, verloren viel von ihrer Kraft. Ebenso hat das Interesse der Elite an „Volksformen“ ein neues Publikum für solche Formen geschaffen und dazu beigetragen, Traditionen auf der ganzen Welt zu retten, die sonst der Industrialisierung und der kulturellen Globalisierung erlegen wären.

Paradoxerweise haben zwar mehr Menschen in Industrienationen mehr Freizeit als je zuvor, aber die Zahl der Theaterbesucher ist nicht proportional gestiegen. Diejenigen, die Angestellte sind oder in leitender Funktion beschäftigt sind, erlauben sich im Gegensatz zu den Aristokraten früherer Zeiten im Allgemeinen wenig Freizeit. Von denjenigen, die in der Industrie tätig sind und deren Freizeit zugenommen hat, entscheidet sich ein erheblicher Teil nicht dafür, regelmäßig ins Theater zu gehen. Darüber hinaus waren die Bemühungen des Theaters, die gesamte Gemeinschaft anzusprechen, im Allgemeinen erfolglos. Es gibt eine immer größere Kluft: Auf der einen Seite schreit eine kleine, enthusiastische und lautstarke Minderheit nach Kunstgalerien, Sinfoniekonzerten und Dramen; Auf der anderen Seite ist die Mehrheit gegenüber diesen kulturellen Freizeitbeschäftigungen und Institutionen apathisch. Die Apathie - oder sogar Feindseligkeit -, die von der Mehrheit empfunden wurde, zeigte sich in den 1980er und 1990er Jahren in Kontroversen über die staatliche Unterstützung der Künste, die sich insbesondere auf die Nationale Stiftung für die Künste in den Vereinigten Staaten und den Arts Council von Großbritannien konzentrierten.

Die Rolle der Subvention

In den meisten Ländern um die Wende des 21. Jahrhunderts musste ein seriöses Theater mit oder ohne massiven öffentlichen Besuch durch finanzielle Unterstützung gestützt werden, die über die Einnahmen an den Abendkassen hinausging. Zu diesem Zweck wurden und werden öffentliche Mittel in ganz Europa sowie in weiten Teilen Asiens und Afrikas verwendet. Die Annahme hinter einer solchen Subvention ist, dass ein ernstes Theater einfach zu teuer ist, um seinen Weg zu bezahlen. In der Regel erhalten nationale Theater in städtischen Umgebungen Unterstützung.

In Großbritannien unternahm die nationale Regierung 1940 unter Androhung einer bevorstehenden Invasion im Zweiten Weltkrieg die ersten Schritte zur Subventionierung des Theaters, indem sie eine Führung durch die Old Vic Theatre Company gegen Verluste garantierte. Mit der Gründung des Arts Council of Great Britain im Jahr 1946 nahm die Unterstützung des Theaters kontinuierlich zu. In den 1970er Jahren wurden jedes Jahr viele Millionen Pfund für die Unterstützung eines Netzwerks regionaler Theater, kleiner Reisegruppen, sogenannter Randtheater und der „Kompetenzzentren“, dh des Royal National Theatre, der Royal Shakespeare Company und der Engländer, bereitgestellt National Opera und das Royal Opera House in Covent Garden. Subventionen in Großbritannien waren die Mittel, mit denen die britische Theaterindustrie die stärkste der Welt wurde, sowohl als bedeutender Exportartikel als auch als Haupttouristenattraktion. Unter aufeinanderfolgenden konservativen Regierungen wurde diese Subvention jedoch gekürzt, und in den neunziger Jahren wurden Mittel aus einer nationalen Lotterie durch direkte staatliche Unterstützung ersetzt.

Bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts waren private Patronage- und Kasseneinnahmen noch die alleinige Unterstützung des legitimen Theaters in den Vereinigten Staaten, doch schließlich wurde die gemeinnützige Unterstützung durch eine Struktur von Steuervergünstigungen und durch philanthropische Organisationen wie die Ford Foundation gefördert. Mit wenigen Ausnahmen blieb das professionelle Theater in den Vereinigten Staaten jedoch ausschließlich ein kommerzielles Geschäft. Im Westen gab es Ende des 20. Jahrhunderts nur in Deutschland ein wirklich großzügiges Maß an föderaler und bürgerlicher Unterstützung für die Künste.

Zu Beginn des 21. Jahrhunderts glichen private Gelder den Rückgang der öffentlichen Subventionen sowohl in den USA als auch in Großbritannien aus. Unternehmenssponsoring wurde sowohl beim Underwriting von Theaterfirmen als auch bei bestimmten Shows immer wichtiger. Ein solches Finanzierungsmittel war eher für Theater mit großem Budget und etablierte Unternehmen (insbesondere Opern-, Ballett- und regionale Theater) mit starken Verbindungen zu lokalen philanthropischen und Unternehmensgemeinschaften förderlicher. Start-up- oder kleinere Unternehmen wurden mit geringerer Wahrscheinlichkeit durch Unternehmenssponsoring unterstützt. Eine solche Finanzierung wurde auch von Unternehmen, die sich politischer Kritik verschrieben hatten, oft als ein Gräuel angesehen.