Venezianische Oper
Die Einweihung des ersten öffentlichen Opernhauses, des Teatro di San Cassiano in Venedig, Anfang 1637 - ein Handelsunternehmen für eine der wohlhabenden Kaufmannsfamilien der Stadt - war ein weiterer entscheidender Faktor für die Entwicklung der Oper. Diese Veranstaltung entfernte letztendlich die Oper von der ausschließlichen Schirmherrschaft der Könige und des Adels und machte sie für alle außer den ärmsten Sektoren der italienischen Stadtbevölkerung zugänglich. Bis zum Ende des Jahrhunderts hatte Venedig neun solcher kommerziellen Theater, von denen einige der Oper gewidmet waren. Obwohl die Theater nicht alle gleichzeitig betrieben wurden, zogen sie dennoch ein nationales und internationales Publikum an und konkurrierten tatsächlich um dieses. So begann Mitte des 17. Jahrhunderts ein Trend zugunsten von Handlungen mit sensationelleren Themen, die Elemente von Intrigen, Verkleidung und Täuschung enthielten und aufwändige Maschinen erforderten. Die Kommerzialisierung der Oper führte auch zu einer Zunahme des Einflusses der Sänger; der Aufstieg der Kastraten (Männer, die vor der Pubertät kastriert worden waren, um die hohe Reichweite und Reinheit ihrer jungenhaften Stimmen zu bewahren, die jetzt durch ihre voll ausgereiften Truhen gestärkt werden); und eine gleichzeitige Betonung der Arien gegenüber dem Rezitativ.
Westliches Theater: Oper
Eines der beständigsten Produkte des Renaissance-Theaters war die Oper. Es entstand aus Experimenten der Camerata, einer florentinischen Gesellschaft
Francesco Cavalli, ein Schüler von Monteverdi, wurde zum beliebtesten Opernkomponisten seiner Zeit, indem er die Opernhäuser von Venedig zwischen 1639 und 1669 mit mehr als zwei Dutzend Opern ausstattete. Cavalli versetzte die von ihm gespielten Libretti mit dramatischer Kraft und Direktheit. Die bekannteste seiner Opern war Giasone (1649; „Jason“), dessen Libretto von Giacinto Andrea Cicognini Farcical-Episoden enthielt. Cavallis größter venezianischer Rivale und Nachfolger war Pietro Antonio Cesti, zu dessen Erbe etwa ein Dutzend Opern gehören, insbesondere Orontea (1656; Libretto von Cicognini). Zu den venezianischen Komponisten in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts gehörten Antonio Sartorio und Giovanni Legrenzi sowie im frühen 18. Jahrhundert Antonio Vivaldi, der 49 Opern für Venedig und andere Städte komponierte. Viele von Vivaldis Opern sind jetzt verloren. Die teure Veröffentlichung von Opernpartituren hörte auf, als sich das Genre etablierte und die aristokratische Schirmherrschaft eingestellt wurde. Die meisten Opern dauerten nur eine Spielzeit, danach wurden sie durch neu in Auftrag gegebene Werke ersetzt. Erst seit dem späten 20. Jahrhundert wurden einige dieser Opern, insbesondere die von Cavalli, geborgen und wiederbelebt.
Venezianische Opern waren extravagante Angelegenheiten, in denen sich die unwahrscheinlichen Handlungen - eine Mischung aus komischen und ernsten Elementen - in einem einfachen Rezitativ entfalteten und die Arien eine neue, lyrische Sprache annahmen. Arien wurden normalerweise in strophischer Form (Strophen, die zu derselben Musik gesungen wurden) und fließendem Dreifachmeter (Beats in Dreiergruppen) gegossen, und einige hatten sich wiederholende Bassmuster (Ostinatos oder Grundbässe), die die ausdrucksstarken Höhepunkte der Handlung verlängerten. Venezianische Komponisten entwickelten unverwechselbare Stile und Formen für die vielen Solo-Arien und Duette und schenkten dem Chor wenig Aufmerksamkeit, der in florentinischen Hofproduktionen eine wichtigere Rolle gespielt hatte und für ihre römischen Zeitgenossen weiterhin wichtig war. Die daraus resultierende Trennung zwischen Rezitativ und Arie und die damit einhergehende Konzentration auf Solosänger wurden für die nächsten 200 Jahre zu charakteristischen Merkmalen der Oper. Darüber hinaus stieg die Anzahl der Arien in einer Oper allmählich an - von etwa 24 Mitte des 17. Jahrhunderts auf über 60 bis 1670. So betrachtet die Florentiner (und Monteverdianer) die Musik einer Oper als untrennbar mit ihrer Poesie und ihrem Drama wurde bald durch den Geschmack und die Wünsche des zahlenden venezianischen Publikums umgekehrt, das die visuellen Elemente von Bühnenbildern und Kostümen genoss, mehr Freude an der musikalischen Ausarbeitung als an der zwingenden dramatischen Struktur hatte und eine Atmosphäre bot, in der Rivalitäten zwischen Opernkompanien und zwischen ihnen blühten hochbezahlte Starsänger.
Entwicklung von Opernstilen in anderen italienischen Städten
Mehrere andere italienische Städte entwickelten im 17. Jahrhundert bald erkennbare Opernstile. In Rom, wo wohlhabende Prälaten zu leidenschaftlichen Sponsoren der Oper wurden, erweiterten Librettisten das Themenspektrum um Legenden von Heiligen. Die meisten römischen Komponisten der damaligen Zeit, wie Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi und Michelangelo Rossi, folgten der florentinischen Tradition, indem sie für jeden Akt Vokalensembles und Chorfinals (mit Tanz) hinzufügten. Sie weichen vom florentinischen Stil ab, indem sie den Kontrast zwischen den Arien und den Rezitativen erhöhen, den Arien erlauben, die dramatische Kontinuität zu unterbrechen, und die Rezitative sprachlicher und musikalisch weniger interessant machen. Sie verwendeten auch Comic-Episoden, um vorherrschende tragische Geschichten (wie auch die Venezianer) aufzuhellen, und führten instrumentale Ouvertüren und Ouvertüren-ähnliche Stücke ein, die Akten oder Abschnitten von Akten vorausgingen.
Zwei römische Komponisten - Mazzocchis Bruder Virgilio und Marco Marazzoli - werden oft als die erste vollständig komische Oper Chi soffre speri (1639; „Wer leidet, hofft“) geschaffen. Das Libretto wurde von Giulio Cardinal Rospigliosi verfasst, der 1667 als Clemens IX. Zum Papsttum erhoben werden sollte. Rospigliosis berühmtestes Libretto, Sant 'Alessio (1632; „Saint Alexis“), erhielt von Landi eine Vertonung, die eine rein männliche Besetzung erforderte, einschließlich Kastraten in weiblichen Rollen - ein weiteres Merkmal der Oper in Rom, in der Frauen nicht erlaubt waren auf der Bühne singen. Die Oper wurde Ende des 20. Jahrhunderts erfolgreich wiederbelebt, und eine neue Generation hochqualifizierter, virtuoser Countertenore übernahm die ursprünglich für Kastraten bestimmten Rollen.
Die Oper war auch ein wichtiger Bestandteil des Musiklebens in Neapel, wo Mitte des 17. Jahrhunderts das erste permanente Opernhaus der Stadt, das Teatro San Bartolomeo, gegründet wurde. Um 1700 konkurrierte Neapel mit Venedig als Zentrum der italienischen Oper, hauptsächlich aufgrund der Werke und des Einflusses von Alessandro Scarlatti, der sich in Rom einen Namen gemacht hatte. Scarlatti schrieb zwischen 1684 und 1702 mindestens 32 seiner 66 Opern für San Bartolomeo, bevor er nach dem Spanischen Erbfolgekrieg (1701–14) nach Rom zurückkehrte. Von seinen Opern repräsentiert La caduta de 'Decemviri (1697; „Der Fall der Decemvirs“) - auf einem Libretto von Silvio Stampiglia, das nicht weniger als 62 Arien enthält - Scarlatti auf dem Höhepunkt seiner Theaterkarriere. Er schrieb weiterhin Opern für Rom, Florenz und Venedig, bevor er 1709 nach Neapel zurückkehrte. Dort war der Stil seiner Opern jedoch inzwischen veraltet.
Eine neoklassizistische Opernbewegung, die Ende des 17. Jahrhunderts in Venedig ihren Ursprung hatte, hatte begonnen, Libretti von Comicszenen und Figuren zu säubern und einfachere Handlungen zu fordern, die auf den Tragödien der französischen Dramatiker Pierre Corneille und Jean Racine beruhten, die erhöhte Sprache und Sprache verwendeten bestätigte das klassische Ideal der Einheit von Zeit, Ort und Handlung, das voraussetzte, dass das Libretto eine einzige Handlung an einem Tag und an einem einzigen Ort oder in einer einzigen Umgebung stattfinden musste. Diese Werte spiegelten sich in einer Art von Oper wider, die als Opera seria (Plural: opere serie) oder „ernsthafte Oper“ im Unterschied zu einer Opera buffa (Plural: opere buffe) oder „comic opera“ bekannt ist. Scarlattis Opere-Serie ist beispielhaft für die Verwendung einheitlicher Handlungen mit weniger als 10 Zeichen, deren Gefühle und Persönlichkeiten in einer Reihe von Da-Capo-Arien zum Ausdruck kommen, einer Art Arie, die besonders mit der neapolitanischen Opere-Serie assoziiert wird. Die Da-Capo-Arie war eine großformatige Form in drei Abschnitten (ABA), wobei die dritte die erste „vom Kapo oder Kopf“ wiederholte - das heißt von Anfang an. Die Form bestand aus einem markigen, gereimten Gedicht, dessen Hauptidee von einem oder zwei charakteristischen musikalischen Motiven erfasst wurde, die zu einem kunstvollen Solo voller Musik- und Textwiederholungen erweitert wurden, die von instrumentalen Ritornelli umrahmt wurden. Das Ziel des Komponisten in jeder Arie war es, ein oder zwei Emotionen aus einer Vielzahl von Leidenschaften darzustellen, um ein musikalisches Porträt des Geisteszustands eines bestimmten Charakters zu diesem Zeitpunkt in der Handlung zu erstellen - eine Funktion ähnlich der der Handlung - Stoppen der filmischen Nahaufnahme heute. Scarlatti durchdrang seine Arien mit ungewöhnlicher Qualität und Tiefe und versorgte sie mit reichhaltiger und abwechslungsreicher Instrumentierung.
Bemerkenswert unter Scarlattis unmittelbaren Nachfolgern waren Komponisten wie Nicola Porpora, Leonardo Vinci und Leonardo Leo. Diese Generation arbeitete oft mit dem dramatischen Dichter Pietro Trapassi zusammen, der als Metastasio bekannt ist - vielleicht der größte Librettist des 18. Jahrhunderts, dessen Werke bis weit ins 19. Jahrhundert von rund 400 Komponisten gesetzt wurden. Metastasio und sein venezianischer Vorgänger Apostolo Zeno setzten den Brauch fort, Libretti auf die griechisch-römische Legende und Pseudohistorie zu stützen, wobei sich die Handlungen eher um Dido, Alexander den Großen und Titus als um mythologische Helden drehten. Sie schrieben Texte von formaler Schönheit und sprachlicher Klarheit. lieber feierliche, meist tragische Themen (Opera seria) in drei Akten als Comic-Episoden und Charaktere.
Der Begriff neapolitanische Oper deutete neben seiner Assoziation mit Opera seria auch auf einen leicht einschmeichelnden Stil hin, der manchmal als galant bezeichnet wird und auf dem Vordergrund anmutiger Vokalmelodien basiert, die in symmetrischen, ausgewogenen Phrasen präsentiert werden. Diese Melodien standen einer einfacheren Begleitung gegenüber, die frei von den treibenden Rhythmen früherer Arien (der Barockzeit, die ungefähr dem 17. und frühen 18. Jahrhundert entsprach) war und die die Stimme eher unterstützte als mit ihr konkurrierte. Viele der Qualitäten, die mit dem sogenannten Wiener Klassikstil des 18. Jahrhunderts in Verbindung gebracht wurden - insbesondere die Instrumentalmusik von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven - hatten ihren Ursprung im melodischen Gesangsstil der neapolitanischen Oper.
Bis 1730 war die italienische Oper, manchmal in Übersetzung, in etwa 130 europäischen Städten angekommen, von Kopenhagen bis Madrid und von London bis Moskau. Die zunehmend starren und undramatischen Konventionen der Opera seria lösten Kritik aus - wie die 1720 vom venezianischen Komponisten-Dichter-Staatsmann Benedetto Marcello veröffentlichte Beizsatire Il teatro alla moda („Theater à la Mode“). Die Grundelemente Rezitativ und Arie, gelegentliche Ensembles und Chöre wurden bis heute beibehalten, obwohl ihre Proportionen zueinander unterschiedlich waren. Im 18. Jahrhundert war die italienische Oper ein wahrhaft internationales Medium und das einzige Mittel, mit dem ein erfolgreicher Komponist Ruhm und Reichtum erlangen konnte.
